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12月13日から16日まで、久しぶりにスペインでメサイアを演奏してきました。オミクロン株が世間を騒がせ始めた時期にぎりぎりのタイミングで行われたツアーとなり、ペーパーワークやPCR検査に簡易検査の手続きなどで大変ストレスフルでもありました。それでも、団員全員、コロナの陽性検査結果が出ることもなく無事帰国することができ、ホッとしました。（イギリスへ戻って数日後にはスペインが英国からの入国を原則禁止したため、本当にギリギリのタイミングでした。） クリスマスといえばヘンデルのメサイア。日本でそう思っていらっしゃる方って、実質どのくらいいるのでしょう？年末の第九には全く及ばない、のが私の印象です。日本はキリスト教国でもありませんしね。 英語圏では、クリスマスといえばまずメサイアです。12月に入ると、途端に演奏依頼がメサイアのオンパレードになります。カナダに留学していた頃にも、何回かこの時期にメサイアを演奏した覚えがあります。 ですが、カナダでは何故か第二部の最後の曲、つまりハレルヤコーラスがプログラムの最後に来るように曲順が調整されていることがほとんどでした。つまり、第三部の名曲を抜粋して、第二部の間に差し込み、ハレルヤで終了、となっていて、第三部の多くの曲がカットされていました。 一方、イギリスではそんなことはなく、カットする曲はあるにしても（何しろ全て演奏すると長いので）、ちゃんと順番通りに演奏されます。ヘンデルはイギリスではほぼ自国の作曲家扱いなので、妥当なところしょう。 ところで、英語圏では、メサイアの演奏中不思議なことが起こります。 私が初めてカナダでメサイアの演奏を聴きに行った時のこと。ハレルヤコーラスが始まるやいなや、聴衆が客席から次々に起立したのです。郷に入っては郷に従え、ということで私も恐る恐る立ち上がったわけですが、後に、これは英語圏では普通のことで、どうやら『イギリスのジョージ二世が、ハレルヤコーラスの演奏に感動して起立した』ことに由来するらしいという説明を聞くことになりました。王様が立ち上がった場合、もちろん臣下一同が着席したままでいるわけにはいかず、全員が釣られて起立するわけです。・・・とはいうものの、実際には、本当にジョージ二世が感動のあまり起立したのか（単に座り疲れたとか、他の理由だったのかも知れない）、いやそもそも、ジョージ二世が演奏を聴く機会はあったのかなど、この由来に疑問は残ります。 由来はさておいても、長ーい演奏時間の中、しかも後半の半ばあたりで一度足を伸ばせる機会ということで（？）この習慣、英語圏ではなかなかにポピュラーです。イギリスでメサイアを演奏すると、ほぼ100%の確率で、ハレルヤ起立現象が起こります。 では、他の国ではどうなのか？ 日本で学生時代にメサイアを演奏する機会がそういえば一度ありましたが、その時には聴衆の皆様は行儀良く最後まで座っていらっしゃいました。日本でも、時々ハレルヤ起立はあるようですが、なにぶん大学在学中に海外へ出てしまったため、日本の現状はよく知りません。 カナダでは起立現象が起きました。ほぼ名目上とはいえ、カナダの君主は一応エリザベス女王陛下、カナダドルには女王陛下が印刷されるような国ですので、まあ妥当かも知れません。ただし、立ち上がるスピードはイギリスほど早くなかった覚えがあります。（私のような新参者が多いお国柄だからかも知れません。） では、最近訪問したスペインはどうか。スペインは、多くのイギリス人が休暇を楽しむ国というばかりでなく、実は定年退職後に老後を過ごすことも多い国だそうです。熱心な信者も多いカトリック教国ということもあり、メサイアの演奏需要はとても高いといえます。しかも、聴くだけではなく、アマチュア合唱団がこぞって参加する、参加型メサイアが大変にポピュラー。イギリスから楽団とプロの室内合唱団を呼び寄せ、現地のアマチュア合唱団と共にコンサート、という形態で、私も過去数回、スペインへ行きました。（これには、メセナ活動を推奨されている大手銀行の資金援助がある、という要因も大きいと思います。） 結論から言うと、スペインではハレルヤ起立現象は起こりません。そういえば、ドイツ留学時代に一度メサイアを演奏したときも、誰も立ち上がりませんでした。もっとも、ドイツのクリスマス音楽はなんと言ってもバッハのクリスマス・オラトリオですので、そもそもメサイアは滅多に演奏されません。恐らく、大陸ヨーロッパではハレルヤ起立はあまり起きないのだと思います。 気がつけば私もイギリスへ移住して10年以上が経過し、英国スタイルのメサイアに随分慣らされました。ハレルヤ起立に関しては賛否両論あるようですが、私はこの習慣、別にいいんじゃないかと思っています。長いコンサートの中、堂々と足を伸ばす機会が持てるわけですし、ついでに、聴衆が能動的に起立することで、ちょっとでも『参加した』感を味わえているのではないかと勘ぐっています。日本で無理に実行するほどのことでもないとは思いますが、もし大多数が立ち上がるようなら、一緒に立ち上がってみても、バチは当たらないのではないでしょうか。

初心にかえるー楽器の持ち方 先日、イギリスのベネデッティ財団主催による、音楽教師のためのオンラインミニ講習会に参加しました。時間のあるこの時期に、自分の指導の仕方について見直してみようと思ったのがきっかけです。ロックダウンのため娘のヴァイオリン指導も結局は私がやっているため、その面でも大変勉強になる講習会になりました。（普段は高校、大学生レベルの生徒さんのことが多いので） もちろんこれはモダン楽器奏者による講習なので、具体的な技術は古楽器と違う面も多いのですが、人に教える際には共通項がたくさんあります。 第一回目のテーマは『セットアップ』について。要するに、初心者、または悪い癖のついてしまった生徒さんの楽器や弓の持ち方などをどうやってより良い方向へ導くのか、ということですね。 このトピック、実は初心者に限らずとても重要です。子供達の場合は体の成長に合わせてたえず楽器の持ち方や基本の運弓を見直す必要がありますし、大人になって体の成長が止まっても、妊娠出産（実際に経験した方はご存知と思いますが、立ち方も変われば関節の柔らかさも変わってしまうという大イベント）はもちろん、加齢による身体能力の変化や関節の動きやすさ、さらには習慣による体の変化など、ほんの少しの違いでも、年月を経て大きな違いになって出てくることはザラです。 ほとんどの場合、バロック・ヴァイオリン奏者は、モダン・ヴァイオリン／ヴィオラから転向してきます。その際に、楽器の持ち方の『リセット』を経験していらっしゃるので、感覚的になぜそれが重要なのか知っている方も多いはずです。先生や地域によって差があるとは思いますが、子供の時と違って自分で意識的にセットアップを見直すことになるため、バロック楽器奏者は自分の体と楽器との対話をより多く行ないます。そして、多くの場合、一度『リセット』したら終わり、というものではなく、自分と楽器に合わせて『リセットし続ける』こともわりと普通に捉えています。 ミニ講習会では、ではその『リセット』をどのように生徒に促していくのか、具体的なテクニックについてお話を聞きました。細かいことは省きますが、 楽器を下ろして持ち直す動作をできるだけ多くすること が重要だそうです。特に子供達の場合、楽器や弓を強く握りしめてしまうことがよくありますよね。それに、習慣というのはなかなか頑固で、せっかくリセットした楽器の持ち方も、弾いているうちに、リセット前の持ち方に戻ってしまうことがほとんどです。このような時に、細かく説明して指導することも場合によっては必要かもしれませんが、多くの場合、単純に楽器を近くのテーブルなどに一度置いて、また持ち直す『ミニ・リセット』が効果的だというのです。 そういえば、私も本番中に体の一部に力が入ってしまった時、一瞬だけ力を抜いてリセットすることがあります。弾いている間に楽器を下ろすことはできないので、感覚だけで処理する『マイクロ・リセット』とでも言いましょうか。緊張状態にあるとき、具体的に腕のどの筋肉に力が入ってしまっているのかわかる人は少ないでしょう。例えピンポイントで分かったとしても、ではその筋肉だけをリラックスさせられる人は・・・ええと、いるのかもしれませんが、殆どの人には無理かと思います。そもそも、演奏中にそんなことを考えている暇はありません。『この状態はよくない』と思った時に、パッと一瞬力を抜いてリセットする方が遥かに楽です。 このテクニックには応用編があって、特定の部位の力を抜くことが難しい時、一度全身に力を入れてから弛緩させると一緒にリラックスできます。演奏中には難しいですが、体に力の入りやすい方は、練習中に是非試してみてください。（これはカナダに留学中にパフォーマンスクラスで習いました。） 話がそれましたが、講習会ではさらに、習い始めの時期に焦らないことも強調されていました。子供達の場合、イギリスではグループレッスンになることが多いのですが、半年間くらい開放弦ばかり弾くことになっても良いと言うのです。確かに、ヴァイオリンは音をきれいに出すのが難しい楽器ですし、左手も重力に逆らった上に捻って使うので、慣れるまでには時間がかかります。開放弦ばかり弾いて左手は何もしない訳ではなく、いろいろなエクササイズを通して左手の使い方も学びながら、時間をかけてセットアップをきちんとした方が、その後の上達が早いということですね。娘のヴァイオリン教本に、何故か左手のピッツィカートやハーモニクスなどの練習があり不思議に思っていましたが、これらもどうやら左手のセットアップのためにある練習だということがこの講習会で分かりました。 スズキなどで、子供達が何巻目のどの曲まで進んだかを競い合うことがありますが、あまりそういうことにこだわると、基本のテクニックが確立されないまま曲だけ弾けるようになっていき、レベルが上がってきたところでつまづいてしまう可能性が高くなります。学校側のカリキュラムの都合や生徒さんの親の要求に板挟みになる先生方も多く、これはなかなかに改善の難しい領域ではありますが・・・。ベネデッティ財団では、セットアップの重要さについても『布教』を試みているようですので、今後、教育現場でのこの面での理解が深まっていくことを期待します。 どんな分野でもそうですが、基本は大切であるということを学び直すきっかけとなった講習会でした。

　最近、弦の鳴りが悪い気がしたので、久しぶりに弦の張力について見直してみることにしたのが２週間前。２日目には、パンドラの箱を開けてしまったことに気がついたのでした・・・。 　そもそも、バロック時代に使用されていた弦の太さについてのリサーチには諸説があり、全部をトライしようとすると金額的にも時間的にも大変なことになります。ヨーロッパの一部では、かなり太めのE線を使うかたが結構いらっしゃいますが、私の楽器で試してみると合わなかったので（そういえば5年くらい前にも同じようなことを試したと、その後思い出しました。）E線のゲージは据え置き、２週間かけて残りの弦をどうするか今調整中です。 　ヨーロッパでは場所によってあまり普及していないようですが、イギリスでは公式にイコール・テンションを取り入れているアンサンブルがいくつかあり、それに少し近いイコール・フィール・テンションをもとに弦のゲージを決めていらっしゃる奏者がかなりいます。 　聞いただけではなんのことやら分かりませんが、要するに弦の張力を各弦で均等にする、というのがイコール・テンションになります。ロンドン在住のオリバー・ウェッバーが以下のサイトで説明しています。 　ちなみに、モダン・ヴァイオリンの弦の張力はE線が最も高く、低い弦になるにつれて低く設定されています。お恥ずかしい話ですが、モダンヴァイオリンを専攻していた学生時代、楽器店で弦を購入する際に、弦にゲージが存在することは見ていたものの、実際にゲージを調節した経験はありませんでした。先生方や友人たちとも、弦のゲージについて議論する機会がなかったということは、当時はあまり重要視されていない要素だったということでしょう。現在でも、モダン楽器の弦のゲージについて意識していらっしゃる方はそう多く無いかと思います。 　さて、肝心のイコール・テンションですが、ダウランドやレオポルド・モーツァルト（『ヴァイオリン奏法』の第1節の4に記述があります。）が提唱する理論によると、隣り合った弦（例えばA線とE線）の低い方の弦は、高い方の弦の1.5倍の太さであるべき、ということだそうです。つまり、E線のゲージが58なら、A線は87、D線は130、G線は195になるということですね。 　ゲージ195のG線！！！ 　裸ガットにすると、ものすごく太いです。そもそも、弦が太すぎてテールピースの穴に入らない、という事態まで起こります。流石にちょっと弾きにくい、というのが私の感想です。私の同僚の多くも、さすがにここまで太いG線を使う方は少数派です。G線は巻線を使うにしても、D線だって130。なかなかの太さです。対応方法は2つ。 　まず当たり前ですが、E線を細くしていけば全体の数値が下がります。E線のゲージを54にすれば、G線は180くらいですみます。・・・それでも180です。そして、ゲージ54のE線は、・・・当然、よく切れます。 　そこで、1.5倍という過激な掛け算ではなく、少し緩めに行こう、なぜなら太めの弦は張り替えてからの伸び率が少し少ないし、指で押さえたときのフィーリングが違う。だから、掛け算の数値は1.43で良い！というのが一説。これについては、私も科学的、歴史的実証があるのか謎だと思っていますが、使いやすさからこの説を採用している方がいらっしゃいます。私も一時期使っていました。 　上記の方法をイコール・フィールのシステムとして認めるかどうかはともかく、イコール・フィールの目指すところはそのまま、弦を押さえたときの感覚を各弦で均一にすることです。それをもう少し科学的にしたのが、イタリアのガット弦メーカーであるアクィラ社の提唱するイコールフィール。こちらは、実際にバロック時代の証言をもとに、弦の伸び率を考慮して実験を重ねた結果のようです。リンクはこちら。 　ちなみに、アクィラ社のイコール・フィールは、“ノーマル“セットでゲージが64−91−124−180とあります。 　一方で、ドミトリー・バディアロフは、イコール・テンションもイコール・フィールも、共に、歴史的、科学的に正しく無いのではないか、と言っているようです。弦の太さは確かに重要ですが、イコール・テンションの簡単な1.5倍や、イコール・フィールのシステムは、駒のないリュート向けであり、ヴァイオリンの駒やテールピースのカーブを考慮していない・・・。確かに、それはそうですよね。ページに数式が入って少しややこしいですが、彼の意見はこちら。 　こうなってくると、自分の楽器の駒やテールピースの角度に合わせて数式を解く世界になってしまいます。とりあえず、まず自分の楽器で正確な数値を測るところからして、私には無理です。ということで、バディアロフ氏のアドバイスは、 “In order to balance the instrument in both the longitudinal tension and the downward pressure, the middle strings must be thinner and the outer…

ウェブサイトのリニューアルにあたり、削除されてしまっていたバロックとモダンバイオリンの違いについて、大分前に書いたものになりますが、少し手を加えてここに掲載します。 見た目からいくと、バロック奏者は基本的に顎あてを使いません（使う人もいますが、遠慮がちに小さめのものだったりします）。弦は、E線からG線までガット弦の場合もあれいば、E線とA線はオープンガット弦（外側に銀線を巻いていないガット弦です）で、G線はモダンでも使われている、外側を銀線でカバーしたガット弦、D線はどちらもありですが、銀線を数本巻き込んだオープンガット弦を使う人もいます。ガット弦とは、基本羊の腸を撚って作ったもので、だいたい黄色っぽい外見になります。 ずっと文章だとわかりにくいので箇条書きにします。バロック楽器はモダンに比べると、 １、駒が低めで、カーブも緩やか。 ２、ネックが楽器の胴体に対して水平に取り付けられている。（モダンは弦の張力を上げるためちょっと斜めになっています）これに伴って、指板が弦の上昇に合わせるように取り付けられています。 ３、魂柱（楽器の中に立っている小さな柱のようなもの。実は弦の張力を楽器の中から支えている）が少し細い。 ４、バス・バーと呼ばれる、楽器の表板の裏側についている棒状のもの（上手く説明できませんが・・・）が細く、短い。 ５、これは楽器の注文主によって違いますが、指板が短い。 という違いがあります。とはいえ、楽器の基本構造は、４００年来全く変わっていません。 相方の弓ですが、これは時代によっていろいろな型があり、人にもよりますが、プロは基本的に３種類くらい取り揃えています。（勿論、もっと大量に持っている人はたくさんいますが） 時代の早いものから、 １、短めの早期バロック用 ２、ちょっと長めで、後期バロックソナタ用 ３、古典派時代に使われたもの の３つ。１、２、は現代の弓とは逆に、カーブはアーチ型、３は初期では殆どまっすぐのものもありますが、S字型になったりと、モダンに近い形になってきます。 これらの違いが変えるのは、出てくる音量と音質です。（楽器５の指板の長さは、単に昔はあまり高いポジションを使わなかったからですが） バロック楽器は、 １、音量が小さめ ２、高めの倍音が多く聴こえるせいか、線の細い音がする ３、実は、モダン楽器より雑音が多い（バロッックの方が柔らかい音がすると思う人がけっこう多いですが、実はモダン楽器は極力音が滑らかに、そして均一に出るように改造されていて、雑音はとても少ないです。チェンバロの音を想像してみてください。ピアノの方が滑らかですよね。） ３は意外に思うかも知れませんが、バロック時代は一つ一つの音の表情がとても豊かである事が美しい音楽の条件だったようで、均一な音を作る事は当時の美意識に反していたのだと思います。調律の仕方も違った結果、それぞれの調声に違った性格があるのも常識でした。ただ、フレージングが”うた”や“かたり”に近く親しみやすいので、結果柔らかく聴こえるのかも知れません。 以上、ちょっと長くなってしまいましたが、概要です。

このウェブサイトを開いて、なぜ名前の下に”Historical Violinist”とあるのか、気になった方はいらっしゃいませんか？ 実は、バロックヴァイオリン奏者、というのは少々誤解を招く言い方です。そもそも古楽演奏習慣（この言葉についてはまた別の機会に説明します。）についてのリサーチが始まった時代には、ずばりバロック音楽の演奏習慣についての研究と試みが主だったために、バロック時代に用いられていた楽器、または楽器のコピーを使用して演奏するヴァイオリニストを、バロック　ヴァイオリニストと言い始めたのが恐らく始まりでしょう。 ですが、実際には殆どの「バロックヴァイオリニスト」はバロック時代からロマン派まで、各時代にふさわしい楽器を使っての演奏活動を行なっています。バロックヴァイオリニストだからといって、バロック時代の音楽しか演奏しないわけではないのです！より正確な表現にすれば“Historical Violinist”-ヒストリカル　ヴァイオリニスト（もしくはPeriod-ピリオドという表現も使われます）になるのですが、この言葉、まだ一般の方には馴染みが薄いと思うので、便宜的に通りの良いバロックヴァイオリニスト、という表現を選びました。 突き詰めていくとなかなか奥が深い古楽の世界ですが、初めは難しいことは考えず、気楽に楽しんでいただけたら幸いです。上記の事情はともあれ、少なくとも私のメインレパートリーはやはりバロック音楽。たった一楽章で演奏時間が20分を上回ることの多いロマン派の音楽と違って、バロック音楽は1曲の演奏時間が短く（物によっては30秒以下から、どんなに長くても13分くらい）、しかも曲のキャラクターがわりとはっきりしています。ある意味、ポピュラーミュージックにより近くわかりやすいと考えると、聞いてみたくなってきませんか？